27/09/2026
Un extrait de mon interview pour France Info (English below).
Lien vers l’interview complète en commentaires / link to full interview in comments 👇
“Pour moi, c'est devenu difficile de prendre au sérieux un interprète qui n'écrit pas et qui n'improvise pas. Parce que ça veut dire qu’il est à distance de la musique, qu'il va avoir besoin d'intermédiaire pour rentrer en contact avec elle, que sans partition il n’y a pas de musique. C'est un problème. Pour moi, il faut être capable de générer de la musique sans qu'il y ait une partition préalable, avec un instrument, et ça suppose de connaître le langage musical, de chanter, danser, manipuler les accords. On n'imaginerait pas un jazzman qui ne connaît pas ça. Le jazzman, comme le musicien baroque autrefois, doit maîtriser ce qu'on appelle la basse continue en baroque, qui est en fait l'équivalent de la grille harmonique. La plupart des musiciens classiques ne savent pas quoi faire avec une grille. Ils ont appris un peu le chiffrage, l'équivalent du chiffrage américain, on l'a en classique aussi, c'est le chiffrage baroque. Autrefois, la formation du musicien classique passait par ça d'abord, jusqu'au début du XXe siècle. Il y a quelques profs qui ont continué, dont Nadia Boulanger. Quand on allait chez elle, c'était de l'interprétation mais aussi de l'écriture et de l'impro.
L'acte d'humilité, de respect de l'interprète à l'égard d'un compositeur, c'est d'écrire soi-même. De se confronter soi-même à ses problématiques. C'est ainsi qu'on se rapproche du compositeur. Autrement, on reste derrière, on se protège derrière le paravent de la partition et de tout ce qui s'est écrit depuis par les musicologues, les historiens. On se cache derrière cette masse culturelle et on brode autour. Mais ce qui compte à mon sens, c'est vraiment de se mouiller et d'être soi-même, de dire : "Voilà, quelle musique sort de moi ?".”
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“For me, it has become difficult to take seriously a performer who doesn’t compose and improvise. Because that means being at a distance from music, needing an intermediary to get in touch with it, believing that without a score, there is no music. That’s a problem. To me, a performer must be able to generate music without a score having been written beforehand, using an instrument, and that presupposes a knowledge of musical language, of how to sing, dance, and manipulate chords. You wouldn’t imagine a jazz musician who didn’t know how to do these things.
A jazz musician, just like a Baroque musician in the past, must master what is known in Baroque music as basso continuo, which is essentially the equivalent of the harmonic framework underlying a jazz improvisation. Most classical musicians don’t know what to do with a chord progression. They have learned a little about figured bass, the equivalent of American chord notation; we have it in classical music too, in the form of Baroque figured bass. In the past, a classical musician’s training began with these skills, right up until the early 20th century. A few teachers continued to teach them, including Nadia Boulanger. When you went to study with her, it was about interpretation, but also composition and improvisation.
The act of humility and respect that a performer owes a composer is to write music themselves. To confront those same problems firsthand. That is how a performer gets closer to the composer. Otherwise, the performer remains at a distance, hiding behind the screen of the score and everything that has been written about it since by musicologists and historians. The performer hides behind this mass of cultural knowledge and weaves interpretations around it. But what matters, in my view, is really to take a risk and be oneself, to say: ‘So, what kind of music comes out of me?’”
